El legado de la música como propiedad (Pt. II)
Imagen destacada: Inno al Sole / Hymn to the Sun, Luciano Ori (1972)
Existen dos tipos de derechos de autor musicales: el primero son los asociados a las grabaciones […]; la segunda forma de derecho de autor musical se asocia con la composición.
El New York Times entrevistó a compositores sobre la confusa situación de los derechos de autor tras el famoso caso Blurred lines, en el que Robin Thicke y Pharrell Williams, sus principales guionistas, fueron condenados a pagar más de 5 millones de dólares por copiar el éxito de la época disco de Marvin Gaye Got to Give It Up. El compositor Evan Bogart cuenta sus dudas en el estudio:
No debería estar pensando en precedentes legales cuando intento escribir un estribillo.
Existen dos tipos de derechos de autor musicales: el primero son los asociados a las grabaciones. Si se graba algo, aunque sea un cover, la propiedad de la grabación se mantiene y es posible sacar provecho de ella. Por ejemplo, si yo decidiera realizar un cover de Shout de Tears for Fears, sería el propietario de los derechos de autor de mi grabación, aunque no la hubiese escrito originalmente; sin embargo, por ese mismo hecho, Roland OrzabalIan e Ian Stanley, los compositores originales, obtienen una parte de los derechos de autor -llamados derechos mecánicos- por cada venta y transmisión de la versión.
La segunda forma de derecho de autor musical se asocia con la composición. En este sentido, Tears for Fears son propietarios de la idea de Shout. Esta vertiente de los derechos de autor presenta varios problemas por diversas razones, entre las que destaca el hecho de que es muy difícil definir qué es y qué no es una idea musical.
En otra batalla legal, Newton contra Diamond, se señaló que la composición musical, la idea musical, consiste en el ritmo, la armonía y la melodía expresados en forma escrita. Este concepto incorporado a la jurisprudencia de la ley de derechos de autor se basa en la idea clásica europea occidental -específicamente en la idea de la era romántica del siglo XIX- de que la notación escrita expresa la verdadera intención de la obra de un autor. Y tiene cierto sentido. Históricamente, la notación es el medio en el que trabaja el autor de la música. Literalmente escribían cosas en un papel mientras componían o, en tiempos contemporáneos, se utilizan programas de notación.
Pero ahora, en los estilos populares más modernos, el medio en el que trabajan los artistas suele ser el propio sonido grabado. A menudo, en los estudios de grabación o en las estaciones de trabajo digitales, los autores de ideas musicales toman grabaciones y las manipulan en líneas de tiempo musicales para determinados estilos de música, lo que significa que escribir cosas en notación es algo raro en esas circunstancias; no es así como se comunica o concibe la música. Pero no es así como está configurado el sistema de derechos de autor.
En la medida en que esos elementos compositivos se elaboran dentro de la partitura, los sonidos que necesariamente resultarían de la interpretación de cualquiera de ellos están protegidos.
Está configurado como si las grabaciones y las composiciones fueran entidades totalmente separadas. Esto ha dado lugar a algunos casos interesantes en los que los jueces han dado instrucciones de “no escuchar las grabaciones de las canciones en cuestión” en demandas por infracción de derechos de autor porque podría influir en sus decisiones al respecto.
En su lugar, se espera que el jurado, probablemente poco familiarizado con la música, analice los aspectos más sutiles de la notación musical, que probablemente fue transcrita por otra persona además del artista a partir de la grabación. Además, el análisis schenkeriano ya se ha utilizado antes, un enfoque muy técnico de la estética armónica de la música europea de los siglos XVIII y XIX que a menudo requiere un título de postgrado y teoría musical para empezar siquiera a entenderlo. Sin embargo, tiene un aspecto impresionante, así que… ¿por qué no, supongo?
Esta dependencia de una representación simbólica de las ideas musicales a través de la notación escrita es reflejo de una generación muy anterior de pensamiento jurídico y musical. Louis Lee Stanton, el juez que ha vuelto a llevar a los tribunales el caso Marvin Gaye-Ed Sheeran, tiene 95 años; empezó a ejercer la abogacía en 1995, antes del auge de Elvis Presley, por lo que es probable que tenga la comprensión de la creación musical de esa generación.
Podría decirse que encuentro algunos problemas en esta concepción de la composición musical. En primer lugar, el hip-hop y muchos estilos de música electrónica moderna se basan en la manipulación de sonidos y sampleos, donde los aspectos musicales más destacados de la composición no se escriben fácilmente y, de hecho, se pierden en gran medida al intentar traducirlos a la notación musical occidental.
Simplemente no veo cómo alguien podría escribir una notación de algo como el trabajo de Hideki Tanaka, Ei Wada y Nicos Orchest-Lab, sin perder lo que lo hace único. ¡Desarrolla eso, análisis schenkeriano!
En segundo lugar, cuando se reduce fríamente la expresión musical a sólo ritmos, melodías y armonías –que pueden escribirse–, es difícil demostrar la llamada originalidad, ese pilar de la propiedad intelectual en la mayoría de los lugares del mundo.
Si alguien tiene un bucle de acordes que a la gente le gusta cómo suena, que la gente espera, que la gente quiere oír, sólo tiene un número limitado de opciones melódicas a su disposición. Estos tonos de acordes influyen en las decisiones melódicas, y esta influencia es profunda.
Se ha señalado que la supertónica, el segundo grado de la escala, se ha vuelto muy popular al enfatizarla en la música pop porque es, en promedio, la nota menos ofensiva. Suena perfectamente bien sobre cualquier acorde de la escala.
Las restricciones de la voz humana suelen limitar las melodías a una gama relativamente pequeña, sobre todo si se trata de música pop que anima a los no cantantes a acompañarla.
Aunque hay un número enorme de permutaciones posibles de las notas musicales de la escala, sólo unas pocas son agradables; y muchas menos aún se adaptan a las exigencias infantiles del oído popular.
–Darrell v. Joe Morris Music 113 F. 2d 80 (2d Cir. 1940)
Por cierto, eso se dijo en 1940. Brutal.
Las estructuras de las canciones también están muy formalizadas: es raro que una canción pop no utilice un formato de verso y estribillo; es raro que el jazz no utilice head ins y head outs; es raro que las canciones prog no utilicen un incalculable caos de compases.
Además, en muchos estilos musicales el ritmo es muy formulista. Por ejemplo, el compás de cuatro tiempos es el más común en la música pop occidental; es la configuración por defecto en la mayoría de las estaciones de trabajo de audio digital. Es posible escuchar otros compases, como el 9/8 en la música pop que no es occidental, pero si se escribe música para un público que baila en 4/4… se va a escribir en 4/4.
Los instrumentos musicales podrían tener limitaciones idiomáticas físicas específicas que orientarían a la gente hacia las mismas opciones creativas. Hay muchas canciones basadas en progresiones de acordes que utilizan los acordes abiertos de la guitarra porque son fáciles de tocar.
Volviendo al juicio entre Marvin Gaye y Ed Sheeran que ha durado varios años, Sheeran fue demandado porque su canción Thinking out loud sonaba demasiado parecida a Let’s get it on de Marvin Gaye. Eso es porque las progresiones de acordes son más o menos las mismas, pero la progresión de acordes de la que estamos hablando es una que es muy fácil de tocar en la guitarra.
Incluso se puede argumentar que coincide con la fisicalidad del instrumento, que es –probablemente– la razón por la que los Beach Boys utilizaron una progresión similar en 1966, que se encuentra en I can hear music.
Los mismos acordes de Let’s get it on. Y así, honestamente… a quién le importa si Ed Sheeran robó de Marvin Gaye, porque Gaye estaba trabajando a partir de la misma rúbrica que Sheeran. Con todas estas limitaciones, es una certeza estadística que las canciones van a empezar a sonar parecidas entre sí. Sobre todo si tenemos en cuenta que cada día se suben más de cien mil canciones a Spotify.
Para muchos estilos de música, no veo cómo alguien podría demostrar originalidad, este llamado pilar de la ley de propiedad intelectual, a través de cosas que se expresan fácilmente en la notación musical.
Muchas de las decisiones creativas que toman los compositores están casi calvinistamente predeterminadas por factores que escapan a su control. Es una característica de la música, no un defecto. Es bueno que haya un proyecto subyacente en tantas composiciones, porque es una forma de conectar tus experiencias musicales pasadas con la música nueva. Una forma de conectar experiencias.
Sin embargo, a veces es difícil ver este plano subyacente porque la música resulta ser tan abstracta que, incluso si alguien es un compositor, esa persona puede no darse cuenta de que existe dicho plano. Ahora tenemos que hablar de la división entre la expresión de ideas.
¿Cuál es la diferencia entre una idea y su expresión?
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