Explorando a cuatro artistas tras la Semana del Arte
Ya sea por su técnica, por su impacto visual, o por el momento estético producido, resultaron ser nuestros favoritos.
La Semana del Arte en la Ciudad de México llegó con una enorme oferta de proyectos, obras, y artistas –establecidos y emergentes– que se establecieron a lo largo y ancho de la capital; desde las ya reconocidas ferias, hasta algunas activaciones en la periferia de la CDMX, así como fiestas, inauguraciones en galerías y centros culturales.
Resulta –casi– imposible hacer un recuento coherente de todo lo vivido y experimentado durante una de las semanas más importantes para la difusión artística nacional e internacional; es por esto que en lugar de eso, decidimos destacar el trabajo a cuatro reconocidos artistas que se presentaron en las ferias de arte más importantes. Ya sea por su técnica, por su impacto visual, o por el momento estético producido, resultaron ser nuestros favoritos.
Jacob Gils
El hiperrealismo acerca a disciplinas como la pintura y la escultura a la fotografía, creando lienzos que rompen con la artificialidad de los trazos, manifestando expresiones mucho más fluídas, dejando la técnica en la cima de la pirámide que constituye la composición de la obra. Sin embargo, ¿qué sucede cuándo, sin intención aparente –más que la exploración y el estudio mismo–, sucede lo contrario?
El trabajo de Jacob Gils, nacido en Dinamarca, desea romper con la fotografía predefinida y controlada al utilizar una técnica determinada, transfiriendo Polaroids a papel de acuarela y dividiendo deliberadamente la foto en varios campos; de igual manera hace uso de placas de vidrio para profundizar más en el estudio de dicha división.
¿El resultado? Una especie de impresionismo fotográfico. La sobreposición de elementos y la eliminación inencional de fragmentos genera la impresión –pun intended– de texturas generadas con brochas gruesas y grandes cantidades de pintura golpeando la retina del espectador. Rompecabezas visuales fragmentados, drapeados y deconstruidos.
Otra posible primera interpretación de estas imágenes multipunto, es que parecen desenfocadas o movidas, pero en realidad consisten en muchas fotografías diferentes muy nítidas de los mismos elementos, que se combinan cuidadosamente para ofrecer la ilusión de estar en movimiento. La técnica invita al espectador a acercarse y descubrir los detalles, que no se revelan plenamente desde la distancia.
En resumen, diría que las formas brumosas y translúcidas creadas por la técnica de Gils, dan lugar a un estilo fotográfico que recuerda a la pintura impresionista, pero que conserva todos los detalles de la fotografía moderna.
Rubén Rodrigo
Considerado uno de los máximos representantes del arte abstracto actual en España, Rubén Rodrigo Silguero logra trastocar los sentidos a través de la plástica y los colores vibrantes.
Su trabajo en gran escala es la manifestaciones de su interés por lo sublime y las ideas taoístas del vacío. Su interés por el jazz y la improvisación musical también se refleja en sus elegantes y fluidas pinturas que flotan en el espacio. Los colores brillantes y las formas geométricas de sus lienzos recuerdan a las pantallas digitales a gran escala.
El expresionismo americano y la pintura de campo de color son algunas de sus referencias artísticas directas, pero sus obras son marcadamente contemporáneas y reflejan el vocabulario visual actual. Específicamente, su obra está influida por la pintura de campo de color expandido de la Escuela de Nueva York, el tachismo surrealista y por ciertos conceptos del sintoísmo japonés como el azar. Este azar controlado, el misterio y una cierta cualidad táctil relacionada con la ligereza están presentes en su obra.
En sus lienzos Rodrigo explora las posibilidades formales del color en campos prácticamente monocromáticos.
Quiero alcanzar la máxima pureza mediante un singular proceso de mancha que los japoneses llaman sumi-e y que alude a una ancestral técnica monocromática de carácter naturalista que persigue la síntesis de las formas regladas de la naturaleza a través de una sola pincelada. Me interesa el pulso, la tensión, la espiritualidad y la vitalidad del espacio pictórico.
El resultado parece consumidos por color como una alegoría que cuenta todo sobre sí mismo y sobre los tintes que lo generan. Sin artificios, estos fluyen por las superficies solapándose. Nada hay más que ellos y en ellos se encuentra todo: sus manchas atrapan al espectador por su vibración y sus dimensiones y sugieren incertidumbres en quien observa por la fuerza de su simplicidad, la luz que ofrecen y la que ocultan. Se bastan para incorporar tensiones e impulsos vitales o apelar a lo espiritual.
Fatimazohra Serri
Inicialmente adepta a los formatos clásicos de la fotografía callejera y los diarios visuales, su estilo ha cristalizado recientemente en refinadas composiciones que cuestionan tanto la marroquinidad como la feminidad.
De formación autodidacta, la historia de encierro de Fatimazohra vuelca generosamente en sus creaciones. Ella insiste en la particularidad de su entorno, en la muy conservadora ciudad de Nador, en el norte Marruecos. Frente a la inevitable sobrerrepresentación de jóvenes creadores instalados en grandes metrópolis cosmopolitas como Casablanca, su voz está ya al margen. La artista traza un amplio retrato del plomo social que estructura esta ciudad provinciana y tradicional. Las mujeres, por supuesto, son las figuras sacrificadas, cargadas de tabúes, prohibiciones y fronteras.
A medida que captura e inmortaliza imágenes, y su gesto fotográfico se vuelve cada vez más seguro, el enfoque político de Fatimazohra se vuelve más vehemente. Exponerse en las redes sociales y mostrar allí su rostro es en sí mismo una transgresión de los valores de su mundo. ¿Qué podemos decir entonces de esta toma frontal que expone un tabú primario, el de la menstruación femenina? Al cuestionar el cuerpo físico y social de la mujer en su intimidad más orgánica, Fatimazohra ataca resueltamente la noción de pureza y vergüenza originales.
Empecé con autorretratos en casa tratando de expresar lo que siento a través de las fotografías. Es un poco difícil disparar libremente en público, ya que mi trabajo suele considerarse controvertido y va en contra de las creencias de la gente de mi ciudad y de la cultura de mi país en general, así que mi trabajo se dispara casi exclusivamente en los tejados de mi propia casa.
Javier Sánchez
Ser autodidacta es más como construirse una autodisciplina. A partir del conocimiento empírico, el creativo encuentra referencias, patrones, similitudes, ecos e incluso obras completas en aquello que constituye el afuera. Con esto en mente, la obra de Sánchez atraviesa lo industrial, lo que podría considerarse desperdicio; lo toma, lo aleja de su momento y su contexto para atribuirle un nuevo significado en un nuevo espacio, con una nueva identidad significativa.
Ya que “la representación gráfica, o el dibujo, es algo inherente del ser humano”, resulta natural que su obra evolucione, desde el material en bruto, pasando por composiciones y, finalmente, abstracciones. Sin embargo, el formato visual no es lo único con lo que trabaja, ya que el sonido resulta una parte esencial. Aquellos objetos que constituyen los primeros estudios, siempre acompañan al resto de su obra, ayudando al espectador a intervenir con su propia interpretación, su propio sentido de lo sonoro, hasta lo meramente visual.
Es el proceso que elegí de alguna manera cuando era adolescente. A lo mejor era más inconsciente, un poco ingenuo, sin embargo, con el tiempo me di cuenta de lo que se trataba educarse por sí mismo, por ejemplo, si me llamaba la atención un tema de la antropología, filosofía o historia. Cuáles eran las fuentes, o los medios, a los que recurría para llegar a la información que buscaba. Es un proceso un poco más largo, no obstante, cuando llegas al punto siento que es más eficiente
Es decir, sus composiciones con pedacería de desechos evocan acontecimientos sonoros, trozos de discursos y materia que resuena en el imaginario.
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