Keren Anavy (Instalación), Nadav Weissman (“Panorama Plegable”) y Tal Frank (“Absoluto”) se encuentran presentando sus obras en el Museo de Arte de Querétaro hasta el 26 de noviembre.


El pasado viernes 14 de octubre, acudimos a un recorrido en el Museo de Arte de Querétaro (MAQRO), en el que se presentaron exhibiciones de cinco artistas. Tuvimos la fortuna de charlar con tres de ellos; de su obra y de los conceptos detrás de la misma. Qué les mueve, por qué crean.

Si bien, los tres parten de conceptos y técnicas muy distintas, el hilo conductor yace en lo sensorial. En aquello que surge a partir de su obra y cómo diáloga con los conceptos que fingieron como una chispa para el desarrollo de su producción artística.

Keren Anavy parte del espacio; del lugar. Permite que la naturaleza se integre en su obra para dar pie a la creación de paisajes abstractos y concretos a la vez. Como si de agua se tratase, fluye y logra infiltrar cada fragmento apelando al movimiento y a la libertad. A las expresiones culturales.

Nadav Weissman crea paisajes topográficos plegables, generando así, nuevos territorios y nuevas posibilidades. Las experiencias que surgen de la interacción con la obra resultan muy similares a las que tiene su método de producción. La unión de dos medios, dos formatos, para llegar a un nuevo modo de interpretación utópica y distópica.

Tal Frank recorre el tiempo y el espacio en un mismo momento. La naturaleza fugaz de una partida de tenis se mezcla con el lento caer de las ojas en otoño, un baile sincrónico y diacrónico. Los segundos, los días, las estaciones y los años chocan en un ciclo que remite al vaivén de una pelota. El ping pong de la vida resuena entre sombras y susurros en la obra de Frank.

Sin embargo, la intención detrás de cada obra resulta más claro en la mente de cada artista. Esto es lo que nos contaron:

KEREN ANAVY

En su opinión, el jardín y el océano son polaridades de control y libertad en el movimiento, respectivamente. En ese caso, ¿sus piezas son también un reflejo de la dualidad que hay en cada uno de nosotros?

Es un paralelismo interesante en el que no había pensado (comparar la dualidad en la naturaleza con la de las personas), pero como veo la naturaleza y el paisaje como agentes de diferentes culturas, reflejan a las personas. Suelo trabajar en mi arte sobre los contrastes, y crear imágenes visuales que aborden la angustia y la belleza. Por eso me gusta trabajar con imágenes de elementos arquitectónicos y formas orgánicas, por ejemplo piedras o conchas marinas y otros elementos de la naturaleza que tienen un cierto patrón que puedo desmontar y volver a montar. Reflexiona sobre la frontera entre lo concreto y lo abstracto, y permite expresar estos contrastes.

El jardín es un lugar de naturaleza culta, que a menudo trata de indexar la naturaleza y organizarla de forma diferente en cada cultura. Me interesa el modo en que los jardines reflejan las conexiones entre la naturaleza y la cultura en las sociedades orientales y occidentales, exploro los significados y propósitos de los jardines como lugares de reflexión y retiro, “bolsas de naturaleza” dentro de los paisajes urbanos.

Veo el jardín como símbolo de un espacio cerrado, donde se ejercen diferentes formas de poder y control político. La pintura con tinta subraya la relación entre el accidente y la deliberación, que también se da en los jardines hechos por el hombre. Con un marcado que incorpora la deliberación y el elemento del azar, considero la relación entre la toma de decisiones y los procesos naturales e inesperados que se producen en un jardín, un paisaje cultivado.

El océano es una importante fuente de inspiración en esta muestra, concibiendo el océano como un complejo punto de contacto entre dos elementos que se empujan y tiran sin dejar de apoyarse mutuamente: El océano como amenaza inminente, que representa lo salvaje incontrolado, y al mismo tiempo simboliza la libertad total, la meditación y la calma

Pensando en el océano como una enorme masa de agua, que durante siglos, la gente cruzó las aguas y las fronteras de todo el mundo por diferentes razones de peso: La curiosidad, el beneficio económico, las calamidades, la religión, la guerra, el ocio, el conocimiento y el beneficio personal. Cultural Exchange Room trata del agua como elemento central que conecta a las distintas comunidades globales, y de la materialidad inagotable del agua, a través de su color, forma y luz. El agua presenta una naturaleza performativa holística y, al mismo tiempo, se esfuerza por engendrar relaciones de poder y dar cabida a las narrativas individuales. Creo que este estado del agua ciertamente también simboliza la complejidad que existe en cada uno de nosotros, o como usted lo ha expresado como la dualidad que existe en cada uno de nosotros.

Lo que le hace cuestionar nuestro entorno dado que presenta una actuación arquitectónica artificial y natural entremezclada con el espacio físico.

Describo mis instalaciones pictóricas como estructuras organizadas y también como naturaleza salvaje despojada hasta su forma más abstracta. Quiero ofrecer una plataforma para cuestionar nuestros entornos, a través de un nuevo – ambiente artificial que estoy construyendo en el espacio de la exposición. Los aspectos de un “lugar” son fundamentales en mi trabajo: qué constituye un lugar, qué en un paisaje es indicativo de un lugar, de una cultura. La noción de lo que significa estar seguro persiste dentro de mi entorno, que parece estar continuamente construido y deconstruido al mismo tiempo. Mis instalaciones hacen referencia a la percepción del lugar, a la creación y destrucción que se produce en las sociedades utópicas.

Me gusta explorar la idea del “lugar perfecto” a través de diversos medios y materiales, y crear instalaciones interdisciplinarias que cuestionen los lugares, a través de narrativas personales y comunitarias.

Además, en la exposición actual hay un conjunto de formas que parece un acueducto que remite a un yacimiento arqueológico de destrucción y al mismo tiempo también parece una obra de construcción, de creación de algo nuevo y de esperanza. El hecho de que toda la instalación esté hecha de papel, que es un material frágil, sigue transmitiendo una estructura temporal que depende de la contención.

Si tuviera que describir su arte en tres palabras, ¿cuáles serían?

Entre el arte político y el escapismo o las relaciones dinámicas entre la naturaleza, la cultura y los lugares.

NADAV WEISSMAN

¿Por qué eligió mezclar los materiales que utiliza? ¿Cuál es el propósito del arte hecho con madera y proyección digital?

En primer lugar, me gusta mezclar entre cosas, entre diferentes medios y diferentes objetos. En este caso la escultura y las imágenes digitales. Me gusta examinar cómo funcionan juntas, cómo la combinación entre ambas influye en la concepción de la imagen, y la influencia del uso de los dos medios en los ojos. Me refiero a la experiencia sensorial que tenemos frente a la obra. La influencia de la mezcla en la percepción y en el cuerpo es lo que me interesa.

¿De qué manera, la introspección psicológica que tienen tus piezas, buscan hacer un cambio de conciencia para quienes miran tu arte?

Esta pregunta me halaga. Sí deseo conmover, o hacer contacto psicológico con mi público. Me ocupo de la experiencia humana, es decir, mental y psicológicamente, en el mundo. Si la obra hace que alguien piense y entienda algo, o si influye en la percepción o la conciencia de alguien, mi trabajo no puede ser más significativo que eso.

¿Cómo concibe el territorio en sus creaciones?

Uno de mis principales conceptos en mi obra es la secuencia. Algo así como la secuencia neobarroca. La continuidad entre espacios, la continuidad de la imagen dentro del espacio, la continuidad entre suelo y pared. Es una percepción diferente a la del objeto, que en cierto modo tiene unos límites claros. Mi actitud ante el territorio en la obra proviene de una percepción de la imagen en la instalación que tiene que ver con el espacio y las transiciones. En la realidad, o en la naturaleza, no hay mañana, mediodía y tarde, es una secuencia que dividimos y separamos. Lo hacemos de forma más agresiva con el paisaje. Por eso he llamado a la obra “paisaje plegado”.

TAL FRANK

¿Cuál es el objetivo que motiva la creación de esta pieza, teniendo en cuenta estas dos dimensiones (que usted menciona como el tiempo presente y el otro con el tiempo pasado)?

Cuelgan de cuerdas de nylon, en diferentes posiciones de caída, a veces el movimiento del espectador en el espacio hace que se muevan. Pero la mayoría de las veces son pasivas, recordando la imagen de una naturaleza transitoria, de la detención del paso del tiempo. Una fase transitoria encerrada entre un pasado y un futuro que está a punto de desarrollarse.
Al igual que la rivalidad a dos bandas del tenis, el juego profesional del ping pong también conlleva una lucha por el control, que aquí también se convierte en una manipulación material aplicada al objeto. Cada una de las numerosas raquetas suspendidas en el aire sufrió una ligera flexión, que las transformó de material deportivo a hojas caídas, un organismo frágil que sucumbió a las leyes cíclicas de la naturaleza y, a su debido tiempo, se marchitó y se desprendió. Sin embargo, la multiplicidad de raquetas confiere a estos objetos un poder diferente, que se acumula a una presencia en el espacio que define el tiempo y el lugar.
Mi motivación como artista y el objetivo en esta obra de instalación y en mis otras obras, es crear un espacio atemporal que intente capturar el pasado, el presente y el futuro juntos.
Intento, a través del espacio del tiempo, crear una imagen elusiva que fusione lo real con lo imaginario, lo espiritual con lo mundano. Recorrer esta escena otoñal, aparentemente pastoral y poética de hojas de otoño, transmite una experiencia emocional cargada y melancólica y pone a prueba los límites.

En cierto modo, ¿tiene en mente retratar algunas ideas contextuales del paso del tiempo en la existencia de las personas?

La idea que subyace a la creación de esta instalación es, ante todo, crear tensión en un objeto que se repite. El absolutismo de un estado intermedio. Una descripción de un ciclo natural, una analogía con el ciclo natural de la vida humana, una metáfora de lo temporal y frágil.
Seductor e inquietante a la vez, el mundo paralelo que creo invita al espectador a sumergirse y entregarse a su convincente belleza. Pero bajo la superficie, bajo el encanto de la belleza, se esconde una violencia apagada que trae consigo la soledad y la alienación. Este universo, que parece regido por una lógica improbable, es como un caso congelado en el tiempo donde coexisten lo extraño y lo familiar.
Creo dos manipulaciones, una del objeto y otra del espectador. Éste se encuentra en un estadio intermedio (presente) donde puede mirar el pasado y el futuro al mismo tiempo.

El otoño, cuando las hojas caen, ¿pensó que era la concepción del fin de un año, pero el comienzo de otro, de modo que su arte refleja el fin de un tiempo y el comienzo de otro?

El otoño es para mí un estado intermedio, un estado en el que la naturaleza cambia y modifica su forma visual. Intento establecer un paralelismo entre la situación que se produce de forma natural en la naturaleza y lo que ocurre en el proceso de creación. Como en el proceso de creación, y en el momento de su formación, la obra aún no está completa, hay movimiento en ella. Me interesan mucho los procesos intermedios en la búsqueda de la vida y la muerte, la belleza y la estética, el poder y el control.

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